Quand les magnats américains collectionnaient les trésors de l'Europe
- Isabelle Karamooz
- 4 août
- 6 min de lecture
Les plus grands musées américains ne se sont pas construits du jour au lendemain. Ils n'ont pas non plus été créés uniquement grâce à des commandes publiques ou au mécénat royal, comme c'était souvent le cas en Europe. Leurs fondements ont été posés par une génération remarquable d'industriels qui, en regardant outre-Atlantique, ont vu bien plus que de beaux tableaux et de magnifiques meubles : ils ont vu la civilisation elle-même.
À la fin du XIXe et au début du XXe siècle, alors que les États-Unis s'imposaient comme la première puissance industrielle mondiale, une nouvelle classe d'Américains extrêmement fortunés commença à collectionner des statues, des objects et des oeuvres venant de l'Europe. Des chefs-d'œuvre de Rembrandt, Vermeer, Titien, Bellini, Gainsborough, Fragonard, Velázquez et El Greco traversèrent l'Atlantique aux côtés de bronzes de la Renaissance, de tapisseries françaises, de verrerie vénitienne, de mobilier anglais, d'émaux de Limoges, de manuscrits médiévaux, de livres rares et de bibliothèques entières. Ce qui avait commencé comme des collections privées dans des hôtels particuliers new-yorkais allait devenir l'un des plus grands legs publics des États-Unis : des musées qui accueillent aujourd'hui des millions de visiteurs chaque année.
Réduire ces collectionneurs à de riches acheteurs aux goûts dispendieux, c'est ignorer leur importance historique. À bien des égards, ils ont contribué à l'édification culturelle de la nation. À une époque où l'Europe possédait des collections royales séculaires conservées dans des institutions telles que le Louvre, le Prado et les Offices, les États-Unis, malgré une immense puissance économique, ne disposaient que de peu de collections publiques d'art européen. La prospérité industrielle américaine a permis de changer la donne. Leur passion privée pour le collectionnisme s'est peu à peu muée en un héritage public qui a profondément transformé le paysage culturel du pays.
Peu d'individus ont incarné cette transformation aussi pleinement qu'Henry Clay Frick. Après avoir bâti l'une des plus grandes fortunes de l'Âge d'or américain grâce à la production d'acier et de coke, Frick commença sérieusement à collectionner des œuvres d'art dans les années 1880. Ses goûts évoluèrent des peintres français contemporains aux maîtres anciens, et il acquit des œuvres avec une patience et un discernement extraordinaires. Plutôt que d'acheter impulsivement, il vivait souvent avec les tableaux pendant des mois avant de décider s'ils avaient véritablement leur place dans sa collection. Parmi ses conseillers figuraient d'éminents marchands d'art et des experts, tandis que des maisons renommées telles que Duveen Brothers et M. Knoedler & Co. l'aidèrent à dénicher des chefs-d'œuvre à travers l'Europe.
Frick collectionnait bien plus que des tableaux. Sa résidence de la Cinquième Avenue devint une œuvre d'art à part entière, où architecture, sculptures, mobilier, horloges, porcelaines, tapisseries, tapis et objets d'art décoratifs étaient agencés avec un soin exceptionnel. La maison elle-même se transformait en une scène où la civilisation européenne était présentée à un public américain. Bien avant d'entrer dans une galerie de musée, les visiteurs pénétraient dans une demeure où chaque objet participait à un dialogue plus vaste sur la beauté, le savoir-faire, l'histoire et le bon goût.
Frick avait compris une chose que de nombreux collectionneurs ont fini par réaliser : les collections atteignent leur pleine signification lorsqu’elles survivent à leurs propriétaires. Dans son testament, il légua son hôtel particulier new-yorkais et son contenu au public, ce qui mena à l’ouverture de la Frick Collection en 1935. Aujourd’hui, les visiteurs déambulent dans des pièces qui conservent une atmosphère remarquablement fidèle à celle imaginée par Frick lui-même, et découvrent des chefs-d’œuvre de Vermeer, Rembrandt, Bellini, Holbein, Titien, Turner, Goya et Fragonard dans un cadre domestique intimiste plutôt que dans un musée monumental.
Frick n'était pas seul. À New York, une autre institution prenait forme à une échelle encore plus grandiose. Le Metropolitan Museum of Art, fondé en 1870, connut une croissance rapide grâce à la philanthropie dont faisaient preuve nombre des plus riches collectionneurs américains, considérant la passion comme l'aboutissement naturel de leur activité. Des familles telles que les Morgan, les Rockefeller, les Havemeyer, les Altman et bien d'autres firent don de collections extraordinaires de peintures, sculptures, arts décoratifs, armures, manuscrits et antiquités européennes, transformant le Metropolitan en l'un des plus grands musées du monde. L'extraordinaire richesse de ses collections reflète non pas la vision d'un seul collectionneur, mais la générosité, et parfois la rivalité, de plusieurs.
Collectionner l'Europe durant l'Âge d'or était aussi une activité intellectuelle. Si la richesse permettait à ces collectionneurs d'acquérir des chefs-d'œuvre, leurs recherches étaient de plus en plus guidées par l'érudition. La provenance devint primordiale, l'authenticité essentielle. Les relations avec les historiens, les marchands, les restaurateurs et les conservateurs se soignèrent et devinrent de plus en plus pointues. Nombre de collectionneurs se rendaient régulièrement à Londres, Paris, Florence, Venise, Madrid et Amsterdam pour étudier les collections avant d'effectuer des acquisitions. Les ventes aux enchères des familles aristocratiques européennes en déclin et l'évolution du contexte politique mirent sur le marché des œuvres restées dans des mains privées pendant des générations. Les fortunes américaines arrivaient souvent précisément au moment où les propriétaires européens étaient disposés, voire contraints, de vendre.
Certains critiques ont parfois affirmé que l'Amérique dépouillait l'Europe de son patrimoine artistique. La réalité est plus nuancée. Si des œuvres importantes ont certes traversé l'Atlantique, d'innombrables chefs-d'œuvre ont également été préservés grâce à une gestion attentive, une conservation poussée et, finalement, leur ouverture au public. De nombreux tableaux qui ornaient autrefois des palais privés sont devenus accessibles aux visiteurs ordinaires car les collectionneurs américains ont finalement choisi de créer des musées plutôt que de conserver leurs collections à huis clos.
Ces collectionneurs n'achetaient pas seulement de beaux objets ; ils collectionnaient des idées. Une peinture de la Renaissance portait en elle l'humanisme florentin. Une tapisserie flamande incarnait des siècles de savoir-faire . Un portrait anglais reflétait l'évolution des conceptions de la société et de l'identité. Une commode française révélait le raffinement des arts décoratifs du XVIIIe siècle. Ensemble, ces œuvres offraient aux Américains une initiation à la civilisation européenne à une époque où les voyages internationaux restaient hors de portée de la plupart des citoyens.
Ces collections révèlent aussi quelque chose sur l'Amérique elle-même. La richesse industrielle était indéniablement moderne, pourtant nombre de collectionneurs puisaient leur inspiration dans le passé. Leurs demeures s'inspiraient des châteaux français, des palais italiens et des maisons de campagne anglaises. Leurs bibliothèques regorgeaient de classiques. Leurs galeries exposaient des maîtres anciens plutôt que des célébrités contemporaines. En s'inspirant du passé artistique de l'Europe, ils espéraient démontrer que les États-Unis pouvaient devenir une puissance non seulement économique, mais aussi culturelle.
Aujourd'hui, les visiteurs qui déambulent dans les galeries du Metropolitan Museum of Art ou les élégantes salles de la Frick Collection se concentrent, à juste titre, sur les chefs-d'œuvre qui s'offrent à leurs yeux. Pourtant, une autre histoire se cache derrière chaque cadre. C'est l'histoire des voyages transatlantiques, des collectionneurs déterminés, des philanthropes visionnaires, des marchands d'art experts, des architectes ambitieux et des fondateurs de musées convaincus que l'art devait appartenir au public.
Leurs collections nous rappellent que les musées ne sont pas de simples bâtiments remplis d'objets extraordinaires. Ils sont les réceptacles de la curiosité, de l'ambition et de la générosité humaines. Les tableaux ont peut-être été créés à Venise, Anvers, Madrid, Paris ou Londres, mais la décision de les préserver pour les générations futures a souvent été prise à New York.
Au final, les millionnaires américains ont fait bien plus que collectionner l'Europe. Ils ont contribué à faire de l'héritage artistique européen une partie intégrante du patrimoine culturel américain, permettant ainsi à des millions de visiteurs, de génération en génération, de découvrir les chefs-d'œuvre de la civilisation occidentale sans jamais traverser l'Atlantique.
Sources :
Les recherches pour cet article ont été effectuées à partir des collections officielles et des ressources historiques du Metropolitan Museum of Art et de la Frick Collection, y compris des documents d'archives de la Frick Art Research Library.
Des informations historiques complémentaires ont été fournies par la Morgan Library & Museum, la Smithsonian Institution et la National Gallery of Art.
Les informations concernant les collectionneurs de l'âge d'or américain, le commerce transatlantique de l'art et le développement des collections des musées américains ont également été recoupées avec des publications du Metropolitan Museum of Art Bulletin, des archives de la Frick Collection et des articles récents du Monde et de Vanity Fair.
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